El Latido
2e extrait du mini-album de Metro, voici "El Latido" et sa batterie typiquement années 80. Depuis, elle a été interdite par la police des musiciens !
Lucrate Milk
Luсrate Milk émеrge à Paris à la fin dеs annéеs 70 соmme unе véritаblе сuriоsité dans lе paysage musiсаl français. À сеttе épоquе, la nоtiоn dе "rосk alternatif" tеl qu'elle sera cоnnue dаns lеs annéеs 80 n'eхistе pas encоre, et la scène musicalе еst lоin d'êtrе bien оrganisée. Tоut y est briсоlé, précairе et sоuvеnt imprоvisé, et c'est justеment cette dynamiquе qui cоnfère аu grоupе sа fоrce. À l'оriginе, il ne s'agit mêmе pаs d'un grоupе au sеns traditiоnnel, mais plutôt d'un rаssеmblement d'énеrgies créatives, d'amis, de graphistes еt de musiciens auх parcоurs variés, qui parviennent à invеntеr leur prоprе lаngagе sans сherchеr à оbtenir l'аpprоbatiоn de quicоnquе.
Luсrate Milk émеrge à Paris à la fin dеs annéеs 70 соmme unе véritаblе сuriоsité dans lе paysage musiсаl français. À сеttе épоquе, la nоtiоn dе "rосk alternatif" tеl qu'elle sera cоnnue dаns lеs annéеs 80 n'eхistе pas encоre, et la scène musicalе еst lоin d'êtrе bien оrganisée. Tоut y est briсоlé, précairе et sоuvеnt imprоvisé, et c'est justеment cette dynamiquе qui cоnfère аu grоupе sа fоrce. À l'оriginе, il ne s'agit mêmе pаs d'un grоupе au sеns traditiоnnel, mais plutôt d'un rаssеmblement d'énеrgies créatives, d'amis, de graphistes еt de musiciens auх parcоurs variés, qui parviennent à invеntеr leur prоprе lаngagе sans сherchеr à оbtenir l'аpprоbatiоn de quicоnquе.
Metro
Quand on évoque la scène espagnole du début des années 80, on pense souvent immédiatement à Madrid, à la Movida et à ses figures les plus médiatisées. Pourtant, cette période d’explosion créative ne se limite pas à la capitale. Dans de nombreuses régions d’Espagne apparaissent alors des groupes qui profitent d’un climat nouveau pour expérimenter, mélanger les influences et inventer une musique en rupture avec les décennies précédentes. La Galice, notamment autour de Vigo et La Coruña, devient l’un de ces foyers où une nouvelle génération de musiciens tente de trouver sa propre voix. C’est dans ce contexte que surgit Metro, un groupe discret mais représentatif de cette effervescence.
Originaire de Carballo, près de La Coruña, Metro se forme au début des années 80 et s’inscrit dans cette vague de formations qui regardent autant vers la pop anglaise que vers les nouveaux courants qui traversent l’Europe. Comme beaucoup de groupes de cette période, leur musique se situe à la croisée de plusieurs influences : une base rock héritée des années précédentes, des arrangements plus modernes inspirés par la new wave, et une volonté de construire des chansons plus atmosphériques et mélodiques.
Le groupe se fait remarquer en 1982 en remportant le premier concours Rock Ciudad de La Coruña. Cette victoire leur ouvre les portes du studio et leur permet d’enregistrer un premier album éponyme, Metro, publié chez Citola. Ce premier disque pose les bases de leur univers et leur permet de s’installer dans le paysage musical régional, à une époque où les scènes locales jouent encore un rôle essentiel dans l’émergence des nouveaux groupes espagnols.
Deux ans plus tard sort No es Extraña?, un mini-LP publié par le label Acuario. Ce disque constitue probablement le témoignage le plus abouti du groupe. On y retrouve une formation qui a affiné son écriture et qui assume davantage son goût pour les textures, les claviers et les ambiances propres aux productions du début des années 80. Le morceau titre, No es Extraña?, donne son identité au disque, avec une approche pop sombre et élégante, tandis que des titres comme El latido ou El último tren montrent un groupe capable de jouer sur les contrastes entre mélodies accrocheuses et atmosphères plus introspectives.
À cette période, Metro réunit notamment José Manuel Tasende (chant, guitare, claviers), Pedro L. Sosa (basse, claviers) et José Antonio Levices. Leur parcours reste cependant celui de nombreux groupes de cette époque : une poignée de disques, quelques concerts, une présence dans la scène locale, puis une disparition progressive. Après No es Extraña?, Metro cesse ses activités et certains membres poursuivent leur aventure musicale dans d’autres projets, notamment Los Dramáticos.
Ce qui rend aujourd’hui ce disque intéressant, c’est justement son côté oublié. Metro n’a pas bénéficié de la reconnaissance accordée à certains groupes emblématiques de la Movida, mais No es Extraña? appartient à cette multitude de productions qui racontent une autre histoire de la musique espagnole des années 80. Une histoire faite de petits labels, de groupes régionaux, de disques tirés à peu d’exemplaires et d’une énergie créative qui circulait bien au-delà des grandes villes.
Comme beaucoup de ces objets venus des marges, ce mini-LP possède le charme d’un instant précis : celui d’une Espagne en transformation, où une nouvelle génération cherchait de nouveaux sons et de nouvelles façons de s’exprimer. Metro est peut-être resté dans l’ombre, mais No es Extraña? reste une belle capsule de cette époque où la curiosité et l’envie d’expérimenter semblaient guider toute une scène.
Enculé Tête De Mort
Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique single de Nana Bonnard sorti en 1983 !
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Les Fêlés
Les Fêlés font partie de ces groupes dont l’existence tient presque autant du disque que du souvenir fragmentaire qu’en laissent les archives du rock français de la fin des années 70. On tombe sur leur nom au détour d’une discographie de collectionneur, souvent réduit à une seule trace tangible : un 45 tours paru en 1978, intitulé « Mon lycée », édité dans une période où la scène française commence à être traversée par les premiers soubresauts punk et par une énergie amateur qui échappe encore aux circuits installés.
What's the use
Nouvel extrait du long des David Vincent, voici "What's The Use" en mode ballade rock. Bon, je ne suis pas très fan des français qui chantent en anglais !
Le single de Mopo Mogo
Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique single de Mopo Mogo sorti en 1983 !
Frakture
À la fin des années 70, Rennes devient l’un des foyers les plus passionnants de la nouvelle scène française. Entre punk, rock sombre et expérimentations post-punk, une poignée de groupes va transformer durablement le paysage musical local. Parmi eux, Frakture occupe une place particulière : un groupe à la trajectoire mouvementée, souvent éclipsé par la renommée de Marquis de Sade ou de Marc Seberg, mais qui témoigne parfaitement de cette période où tout semblait encore possible.
L’histoire commence en 1977 sous le nom de Fracture. Le groupe apparaît dans le même environnement que les premiers Marquis de Sade, avec notamment Christian Dargelos et Jacques Duval qui gravitent autour des deux formations. Les premières semaines sont instables, comme beaucoup de groupes de cette époque : les musiciens arrivent, repartent, changent d’instrument ou poursuivent d’autres aventures. Christian Dargelos quitte rapidement le navire pour se consacrer à Marquis de Sade, tandis que le groupe cherche encore sa direction.
La première période voit passer plusieurs musiciens, dont Sergeï Papail, Pascal Perrée, Jacques Duval et Philippe Rérolle. Les concerts s’enchaînent dans les lieux qui font alors vivre la scène rennaise : La Paillette, Le Rallye, l’Institut Franco-Américain ou encore les salles associatives qui accueillent cette nouvelle génération de groupes. Fracture avance dans l’urgence, avec cette énergie typique des formations de la fin des années 70 : peu de moyens, beaucoup d’idées et une volonté de sortir des sentiers battus.
En 1979, le groupe renaît sous le nom de Frakture. Autour de Sergeï Papail (basse, chant), Pascal Perrée (guitare), Philippe Rérolle (batterie) et Jacques Duval (guitare), la musique évolue. Le punk des débuts laisse place à quelque chose de plus froid, plus tendu, plus proche des sonorités post-punk qui commencent alors à circuler en Europe. Frakture développe une esthétique sombre, avec des textes parfois en allemand et une ambiance qui tranche avec le rock plus direct de la première vague.
Le groupe participe aux premières années des Rencontres Trans Musicales de Rennes et devient un acteur de cette scène locale en pleine construction. Pourtant, malgré une réelle personnalité et des concerts remarqués, Frakture restera longtemps un groupe discret, coincé entre plusieurs histoires plus médiatisées.
En 1980 sort enfin leur unique 45 tours de l’époque : « Sans Visage » / « Nagasakind ». Le disque est enregistré au Studio DB à Melesse, un lieu important pour la scène rennaise. Sur la face A, « Sans Visage » résume bien le nouveau son du groupe : une tension froide, une guitare tranchante et cette atmosphère étrange qui annonce la vague cold wave française. « Nagasakind », sur la face B, poursuit dans la même direction. Le disque deviendra avec le temps une pièce recherchée par les amateurs de rock français indépendant, tant il représente un moment précis de cette transition entre punk et new wave.
Frakture continue ensuite à évoluer avec plusieurs formations. En 1981, le groupe poursuit ses recherches et enregistre de nouveaux titres, avant de disparaître progressivement en 1983. Les musiciens ne quittent pourtant pas la musique : Sergeï Papail et Pascal Perrée rejoindront notamment Marc Seberg, autre grand nom issu de cette scène rennaise.
Après la séparation du groupe, Frakture ne disparaît pourtant pas complètement. Comme beaucoup de formations de cette époque, le groupe va connaître une seconde vie grâce au regain d’intérêt pour cette scène rennaise. Les archives ressortent, les anciens enregistrements sont réédités et un premier album regroupant les morceaux enregistrés pendant l’existence du groupe voit le jour en 2004.
En 2007, Frakture se reforme et reprend le fil d’une histoire commencée trente ans plus tôt. Cette résurrection confirme l’importance du groupe dans la mémoire de la scène rennaise : loin d’être seulement un témoin oublié du punk français, Frakture reste une formation qui a accompagné une mutation essentielle du rock hexagonal, entre urgence punk, froideur new wave et expérimentations post-punk.
Le 45 tours « Sans Visage » reste le symbole de cette période : un disque rare, marqué par son époque mais encore capable de surprendre aujourd’hui. Frakture fait partie de ces groupes qui n’ont jamais vraiment disparu : ils ont simplement traversé les années, comme une fissure toujours visible dans l’histoire du rock rennais.
L'autre face du 1er single des Lyres
Voici "Don't Give It Up Now", l'autre face du 1er single des Lyres sorti en 1979 !
O Veux
Au début des années 80, dans la frange flamande de la Belgique, certains groupes semblent naître moins d’une ambition musicale que d’un réflexe de survie contre l’ennui. O Veux fait partie de ceux-là. Formé à Hasselt par quatre musiciens autodidactes, le groupe s’inscrit dès le départ dans une logique très DIY où la compétence technique compte moins que la nécessité de faire du son, quitte à ce qu’il soit rugueux, instable, presque accidentel.
Leur premier 7 pouces, Akinai en 1982, condense cette énergie brute. On y entend déjà ce mélange très particulier de minimalisme post-punk et de tension quasi physique, comme si chaque morceau cherchait moins à “tenir debout” qu’à tester ses propres limites. C’est un disque de friction plus que de forme, où la maladresse devient un langage et où le groove est toujours sur le point de se fissurer.
Mais réduire O Veux à ce seul instant serait passer à côté de ce qui fait leur singularité : une trajectoire courte, mouvante, presque insaisissable, qui va très vite s’éloigner des cadres initiaux du post-punk pour aller vers quelque chose de plus instable encore. Dès la période suivante, le groupe glisse vers des formes plus déstructurées, intégrant des éléments de funk désossé, de rythmiques cassées et d’expérimentation scénique assez radicale. Les morceaux deviennent plus nerveux, plus abrasifs, parfois proches d’une forme de no wave européenne déviée, où la notion même de “chanson” commence à se dissoudre.
Cette évolution trouve une première traduction concrète dans des enregistrements qui circulent de manière plus confidentielle, puis dans des sorties ultérieures qui élargissent leur spectre sonore. Le groupe enregistre, publie de façon fragmentaire, change de configuration, et adopte progressivement une logique moins centrée sur le disque que sur l’instant, la performance et l’instabilité du line-up. C’est une période où O Veux ne se fixe plus vraiment : la musique devient un terrain d’essai permanent, parfois proche de l’auto-sabotage, mais toujours traversé par une énergie très physique.
Après la première phase 1980–1986, O Veux disparaît progressivement des radars. Comme beaucoup de groupes de cette scène belge, ils entrent dans une sorte de zone grise où leur discographie devient difficile à suivre, fragmentée, partiellement oubliée. Leur statut devient celui d’un groupe “de marge”, redécouvert plus tard à travers des rééditions et compilations qui remettent en circulation leurs enregistrements de jeunesse et leurs sessions plus tardives.
C’est précisément ce mouvement de redécouverte qui va préparer leur retour. À partir des années 2010, puis surtout avec les rééditions et compilations archivistiques regroupant leurs enregistrements de 1981 à 1986, l’intérêt pour O Veux se ravive, notamment auprès des amateurs de post-punk, de no wave et de scènes DIY européennes. Ces éditions remettent en lumière un corpus plus large que le seul Akinai, révélant un groupe bien plus mouvant et prolifique qu’on ne l’imaginait.
Dans ce contexte, O Veux finit par se reformer à la fin des années 2010, autour d’une partie des membres historiques, avec une logique qui n’est plus celle d’un “retour classique” mais plutôt celle d’une relecture active de leur propre matière. Cette reformation ne cherche pas à reproduire le passé mais à le réactiver : rejouer certaines dynamiques, remettre en circulation des morceaux anciens, et surtout prolonger une approche toujours fondée sur l’expérimentation et la liberté de forme.
Ce qui rend cette deuxième vie intéressante, c’est qu’elle ne transforme pas le groupe en relique. Au contraire, O Veux reste fidèle à cette idée initiale assez radicale : la musique comme terrain instable, collectif, parfois désaccordé, où l’accident fait partie du processus. Le temps a changé, les contextes aussi, mais la logique de départ — faire du son avec les moyens du bord, sans chercher à lisser — reste étonnamment intacte.
Au final, O Veux apparaît comme l’un de ces groupes dont l’importance ne tient pas à une discographie parfaitement lisible, mais à une continuité de geste. De Akinai aux archives rééditées, puis jusqu’à leur reformation tardive, tout semble traversé par la même idée : ne jamais stabiliser la forme, et laisser la musique rester un espace de déséquilibre permanent.
L'autre face du single de Spermicide
Voici le scandaleux "Femme Prothèse", l'autre face du single de Spermicide sorti en 1980 !
Splassh
Formé à Rennes en 1982, Splassh fait partie de ces groupes de la scène bretonne des années 80 qui ont beaucoup joué, beaucoup tenté, mais dont la trace discographique reste aujourd’hui étonnamment discrète. Entre post-punk, new wave et rock alternatif, le groupe aura pourtant un parcours assez représentatif de cette période : des répétitions acharnées, des premières parties remarquées, les festivals bretons, les Trans Musicales, un passage par l’Angleterre et un 45 tours à la clé.
À l’origine de Splassh, on retrouve des musiciens déjà actifs dans la scène rennaise. Loïc Briard, bassiste, avait auparavant participé à Elect Schlafen puis à Printemps Noir, tout comme Jean-Claude Herry, qui prend la batterie. Pascal Goarant complète alors la première formation à la basse et au chant. Après plusieurs mois de répétitions durant l’hiver 1982-1983, le groupe donne son premier concert en mai 1983 à Brest, en première partie de Marc Seberg à la salle Stella.
La même année, Splassh commence à se faire remarquer. Le groupe participe en août 1983 au festival de Ploubalay aux côtés de formations comme Kalashnikov, Semblant Décors, End of Data, Cliché ou Nautilus. Cette prestation leur permet de remporter un tremplin et d’obtenir l’opportunité d’enregistrer quatre titres en Angleterre. Les morceaux sont mixés par J.P. Boyer et donnent naissance en février 1984 à un 45 tours dont « Working » est le titre le plus connu.
Ce single, aujourd’hui difficile à trouver, constitue la principale trace discographique du groupe. « Working » sera notamment repris sur la compilation Rok #1 1964-1989 : Rock en Bretagne, qui permet de redécouvrir une partie de cette scène bretonne indépendante souvent restée dans l’ombre.
Après cette première période, Pascal Goarant quitte le groupe. En septembre 1984, Splassh accueille Jean-Luc Briand, ancien membre de Mécarythme, au chant. Le trio poursuit alors son activité et donne plusieurs concerts jusqu’en janvier 1986.
Le groupe évolue ensuite avec l’arrivée du saxophoniste Patrick Chupin et de la claviériste Claude Gorophal, ancienne membre de Complot Bronswick. Cette nouvelle formation élargit le son de Splassh et lui permet de continuer à circuler dans les réseaux rock de l’époque. Le groupe participe notamment au Festival Elixir en juillet 1986, aux Trans Musicales la même année, puis joue à Londres en janvier 1987 avant de passer par le Festival de Bourges en avril.
En 1987, Splassh partage également l’affiche avec des groupes comme Bout’siders et Carmel, puis retourne en studio à l’UBU à Rennes pour enregistrer une maquette de quatre titres destinée à trouver une maison de disques. Le projet n’aboutira finalement pas et le groupe se sépare en octobre 1988.
À l’image de nombreuses formations de la scène alternative française des années 80, Splassh aura existé dans un entre-deux : suffisamment actif pour laisser des souvenirs auprès de ceux qui les ont vus sur scène, mais trop peu documenté pour entrer durablement dans l’histoire officielle. Leur 45 tours « Working » reste aujourd’hui le témoignage d’une époque où Rennes bouillonnait de groupes, de salles, de festivals et d’envies d’ailleurs.
Salle Attente
Nouvel extrait de "Six Balles... Pour Un Colt" de Raff (sorti en 1986), voici "Sale Attente" !
Je vous hais
En plus d'un single, Spermicide a sorti un titre sur une obscure compilation belge. Quelque part entre Panik et Oberkampf !
La face B de l'unique single de Quadrascope
Voici "Love Times Love" la face B de l'unique single de Quadrascope. Autant la face A peut porter à confusion. La personne qui chante a un accent anglais parfait. Autant, cette face B est clairement chantée par un français. Qui, malgré un bel effort, ne peut pas cacher ses origines...
Spermicide
Formé en 1977, Spermicide est un groupe bruxellois qui disparaît dès 1980 après quelques années d’activité. Dans une interview publiée dans le fanzine Symphonie Urbaine en novembre 1984, Eric, guitariste et chanteur du groupe, revient sur cette période. Il explique que Spermicide a connu plusieurs changements de musiciens, mais qu’il est resté le seul membre présent du début à la fin. La dernière formation réunissait Eric à la guitare et au chant, Paul à la batterie et Chris à la basse et au chant.
Le groupe laisse derrière lui un unique témoignage discographique : un 45 tours enregistré en 1980. La pièce maîtresse en est « Belgique (Putain Frigide) », un titre qui résume à lui seul l’approche provocatrice du groupe. Le morceau, critique et frontal, aurait été censuré, ce qui ajoute encore au caractère sulfureux de cette petite production indépendante. À une époque où le punk belge se construit souvent dans l’urgence, avec peu de moyens et beaucoup d’énergie, Spermicide choisit une expression en français, loin de l’anglais alors dominant dans le rock.
Dans l’interview, Eric revient sur la fin du groupe avec une certaine distance. Pour lui, Spermicide correspond à une époque précise : « Spermicide, c’est une époque », explique-t-il. Le groupe aurait acquis une réputation importante dans le milieu underground, au point d’être parfois refusé dans certaines salles. L’arrivée de la new wave et les changements de la scène musicale auraient également contribué à rendre cette aventure moins pertinente pour ses membres.
Après Spermicide, Eric fonde Neo Arya, une nouvelle formation dans laquelle il poursuit une recherche musicale différente. Dans les pages de Symphonie Urbaine, il décrit son approche comme du « néo-rock » et revendique une écriture en français, considérant que la langue maternelle permet de mieux transmettre les idées et les sensations. Ses propos témoignent d’une volonté de dépasser le simple cadre punk pour aller vers quelque chose de plus personnel, plus expérimental, même si l’énergie des débuts reste présente.
Le nom de Spermicide a parfois été entouré de récits contradictoires, certains insistant sur une dimension politique ou provocatrice liée aux milieux alternatifs bruxellois. Mais les rares documents disponibles montrent surtout un groupe qui cherchait à exister en dehors des circuits habituels, avec une identité propre et une volonté de ne pas rentrer dans les cases.
Aujourd’hui, le 45 tours de Spermicide reste l’un de ces petits objets qui permettent de comprendre la richesse de la scène belge de la fin des années 70. Un disque court, une carrière brève, mais une trace suffisamment forte pour réapparaître quarante ans plus tard dans les archives des collectionneurs et des passionnés de cette période. Comme beaucoup de groupes punk de l’époque, Spermicide n’a pas construit une longue histoire : il a capturé un moment précis, celui d’une Belgique qui cherchait elle aussi son propre son.
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