Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique e.p. de Stillers sorti en 1982 ! Les chansons son taggées avec leurs vrais noms, tandis que les noms stipulés sur la pochette apparaissent entre parenthèses !
Le clip des Garçons Ordinaires
Voici le clip de "Flower Power", une chanson extraite de l'unique album du groupe sorti en 1993. Un clip DIY comme on les aime...
Le temps et l'argent
Le temps a du, sans doute, manquer aux Names, ce magnifique trio Power pop qui a sorti un ep en Allemagne. On notera que le groupe a été compilé dans les fameuses compil' bootlegs : "Power Pearls".
Des Garçons Ordinaires
Une spéciale dédicace au camarade Pascal B.
Il y a des disques qui ressemblent à des petits miracles. Des objets fragiles, presque dérisoires en apparence, mais qui contiennent une époque entière. Un flexi-disc, quelques chansons enregistrées sur un quatre pistes, une pochette dessinée à la main… et soudain, trente ans plus tard, le temps s’arrête. Le flexi trois titres de Des Garçons Ordinaires appartient à cette famille de disques minuscules qui racontent pourtant une grande histoire : celle d’une scène indépendante française passionnée, artisanale et totalement dévouée à la pop.
Au début des années 90, Rennes est l’un des foyers importants du rock indépendant français. La ville a déjà une longue tradition musicale et accueille une nouvelle génération de groupes nourris par les guitares anglaises, la pop mélodique et l’éthique DIY. C’est dans ce contexte que naissent Des Garçons Ordinaires, formation qui va devenir l’un des plus beaux représentants français de cette mouvance que l’on appellera plus tard indie pop ou jangle pop.
Le groupe réunit Alban Rautenstrauch à la basse, Emmanuel Lamour à la batterie, aux guitares, aux claviers et au chant, Boris à la guitare et Stéphane au chant, à la guitare et à l’harmonica. Leur musique possède immédiatement cette élégance particulière des groupes qui préfèrent les mélodies aux démonstrations techniques. Des guitares claires, des harmonies délicates, une certaine naïveté assumée et ce goût pour les chansons qui semblent simples avant de révéler toute leur richesse.
Le premier témoignage discographique du groupe est un objet typique de cette époque : un flexi une face trois titres publié par Glam Records sous la référence GLAM 003. Le label avait déjà publié auparavant des flexis de groupes comme Solace ou Smily Post, et celui de Des Garçons Ordinaires sera probablement son dernier. Enregistrées en novembre 1991 sur un simple quatre pistes, les trois chansons présentes sur ce disque – « Sister Love and Mr Moon », « Caroline » et « My Favorite Garden » – capturent parfaitement l’univers du groupe.
La pochette est elle aussi un condensé de l’esthétique indie-pop du début des années 90 : un dessin représentant quatre jeunes filles, une image qui aurait parfaitement pu accompagner un disque de Sarah Records ou d’un obscur label anglais. Tout est là : le romantisme adolescent, le goût du fait main, l’impression qu’un disque peut être plus qu’un simple support musical, mais aussi une lettre envoyée à quelques passionnés.
Musicalement, Des Garçons Ordinaires ne cherchent pas à révolutionner le rock. Leur force est ailleurs. Ils savent transformer des influences multiples – les Byrds, la pop anglaise des années 80, Television Personalities, la scène C86 – en quelque chose de personnel. Il y a dans leurs chansons une fragilité et une sincérité qui rendent leurs morceaux immédiatement attachants. « Sister Love and Mr Moon » est certainement le titre qui résume le mieux cette approche : une mélodie lumineuse, une guitare scintillante et cette sensation d’écouter un groupe qui joue simplement parce qu’il aime les chansons.
Après ce premier flexi, le groupe rejoint le label Cornflakes Zoo, fondé au début des années 90 par Stéphane Teynié, alors responsable du fanzine Anorak et d’une mail-order consacrée à la scène indépendante. Ce label deviendra rapidement un acteur essentiel de l’indie-pop française, publiant notamment Les Autres ou Non Stop Kazoo Organization. En 1993, Des Garçons Ordinaires y sort son unique album, simplement intitulé Des Garçons Ordinaires.
Ce disque confirme tout le potentiel entrevu sur le flexi. Douze titres de pop brillante et mélodique, enregistrés avec Damien Bertrand pour la majorité des morceaux, et avec Vincent Lecouplier, alias Vincent Balloon, pour « Nice Price », « La La La » et « Bass Drum ». On y retrouve notamment « Flower Power », « Galaxy », « Clouds », « Sometimes We Smile » ou encore « Lost in Space #3 ». Un album qui aurait mérité une reconnaissance bien plus large, mais qui restera malheureusement connu principalement des amateurs les plus passionnés.
Comme beaucoup de groupes de cette scène, Des Garçons Ordinaires vont surtout vivre à travers les compilations et les réseaux indépendants. Leur musique apparaît sur plusieurs témoignages importants de cette période : la cassette Heol Daou en 1990 avec le titre « Into Space », In The Limelight en 1991, la compilation espagnole Around The World Again du label Elefant Records en 1992, Whoops! chez Houpla, Garden Party chez Aliénor Records, ou encore Ces Chères Têtes Blondes et The Noise and The Melodies – The Pearl Compilation en 1993. En 1994, leur morceau « Laughing Box » figure également sur le coffret The Onion Most Dangerous Game d’Aliénor Records. Le groupe apparaît même sur la compilation vidéo internationale Munch Part I, avec le clip de « Flower Power ».
Sur scène, Des Garçons Ordinaires auront notamment l’occasion de jouer au Krakatoa de Mérignac en janvier 1993, preuve de leur présence dans le réseau des salles indépendantes françaises de l’époque. Pourtant, malgré ces nombreuses apparitions et la qualité évidente de leurs chansons, le groupe restera toujours un peu à côté des radars médiatiques.
Après l’aventure Des Garçons Ordinaires, Emmanuel Lamour poursuivra son parcours musical sous différents noms et projets, tandis que Stéphane rejoindra notamment le groupe Mum’s The Word. Mais l’histoire de Des Garçons Ordinaires ne disparaîtra jamais complètement. Elle continuera à circuler grâce aux collectionneurs, aux blogs spécialisés, aux passionnés de pop indépendante et à ces petits disques que certains prennent encore le temps de ressortir des cartons.
Ce flexi est donc bien plus qu’une curiosité pour collectionneur. C’est une capsule temporelle. Quelques minutes de musique gravées dans un support fragile qui rappellent une époque où quatre garçons de Rennes pouvaient enregistrer trois chansons sur un quatre pistes et espérer qu’elles trouvent leur chemin jusqu’à quelqu’un.
Trente ans plus tard, elles ont toujours trouvé quelqu’un.
Maybe Baby
Nouvel extrait du long des David Vincent, voici "Maybe Baby" qui n'a rien à voir avec le standard de Buddy Holly !
Seaton magnifié
Grâce à mon IA préférée, j'ai pu retravailler 3 photos extraites de la vidéo de Seaton en concert à Aix-en-Provence en 1989 ! Le résultat est saisissant !
Le retour des Chesterfield Kings
J'ai déjà parlé de ce groupe, ici-même !
À la fin des années 70, alors que le punk vient de dynamiter les codes du rock, quelques passionnés décident de regarder en arrière plutôt que de courir après la modernité. À Rochester, dans l’État de New York, un groupe de jeunes musiciens choisit de ressusciter l’esprit sauvage des groupes garage américains des années 60. Leur nom : The Chesterfield Kings.
Formé en 1979 autour du chanteur Greg Prevost, véritable encyclopédie vivante du rock sixties, le groupe n’a jamais caché son obsession pour les faces B oubliées, les petits labels disparus et les groupes qui n’ont parfois sorti qu’un seul 45 tours avant de disparaître. Leur ambition n’est pas simplement de jouer du rock rétro : il s’agit de retrouver une époque, un son, une attitude. Celle des teenagers américains qui enregistraient dans des garages, des petits studios locaux ou des sous-sols avec des amplis saturés et une énergie brute.
Le premier 45 tours du groupe, « I Ain’t No Miracle Worker », sort en 1981 dans une quantité dérisoire, environ une centaine d’exemplaires. Le choix est révélateur de leur démarche : fabriquer un disque qui ressemble à ceux qu’ils collectionnent. Un objet rare, presque fantôme, destiné aux passionnés plutôt qu’au marché musical traditionnel.
En 1982 paraît leur premier album, Here Are The Chesterfield Kings. Un disque entièrement consacré aux reprises de groupes obscurs des années 60. À une époque où internet n’existe pas encore et où retrouver certains morceaux relève de la chasse au trésor, les Chesterfield Kings deviennent une véritable passerelle vers un patrimoine oublié. Ils remettent en circulation des titres de groupes comme The Standells, The Sonics ou The Remains et participent à faire redécouvrir toute une scène garage américaine.
Mais les Chesterfield Kings ne veulent pas rester de simples archéologues du rock. Avec Stop! en 1985, ils commencent à intégrer leurs propres compositions tout en conservant cette esthétique si particulière : guitares fuzz, orgue électrique, voix agressive, réverbération excessive et cette impression permanente d’écouter un disque retrouvé au fond d’un carton poussiéreux chez un disquaire de l’Amérique profonde.
Le groupe devient rapidement l’un des piliers du garage revival américain aux côtés des Fuzztones, des Cynics ou des Miracle Workers. Sur scène, leur réputation grandit grâce à des concerts qui reprennent tous les codes de l’époque : costumes, amplis vintage, attitude arrogante et énergie adolescente. Ils ne jouent pas seulement de la musique des années 60, ils tentent de recréer l’univers complet qui l’entourait.
Au fil des années, les Chesterfield Kings vont pourtant évoluer. Don’t Open Till Doomsday (1987) reste l’un de leurs albums les plus appréciés, avec un son plus personnel et même une composition signée Dee Dee Ramone. Dans les années 90, ils explorent d’autres territoires : le blues avec Drunk on Muddy Water, l’univers des Rolling Stones avec Let’s Go Get Stoned, ou encore la surf music avec le double album Surfin’ Rampage. Leur curiosité les pousse également vers le psychédélisme avec The Mindbending Sounds of The Chesterfield Kings en 2003.
L’histoire du groupe est aussi liée à celle d’Andy Babiuk, bassiste des Chesterfield Kings et immense spécialiste des Beatles. Collectionneur passionné, auteur d’ouvrages consacrés aux instruments des Fab Four, il est également membre du supergroupe The Empty Hearts aux côtés de Clem Burke de Blondie, Elliot Easton des Cars et Wally Palmar des Romantics.
Au début des années 2000, les Chesterfield Kings bénéficient d’une nouvelle reconnaissance grâce au soutien de Steven Van Zandt, guitariste de Bruce Springsteen et animateur de l’émission Underground Garage. Le groupe apparaît même dans un épisode de la série Les Soprano, preuve que cette musique née dans les petits clubs a fini par toucher un public bien plus large.
Après une longue pause, les Chesterfield Kings reviennent finalement sous l’impulsion d’Andy Babiuk. En 2024, le groupe publie We’re Still All The Same, un nouvel album qui prouve que leur passion pour le garage rock est intacte. Plus de quarante ans après leurs débuts, leur mission reste la même : faire vivre une certaine idée du rock, celle des disques imparfaits, des guitares trop fortes et des chansons enregistrées avec plus de cœur que de moyens.
Les Chesterfield Kings ne sont pas seulement un groupe nostalgique. Ils sont ceux qui ont rappelé au monde que derrière chaque vieux 45 tours oublié se cachait peut-être une pépite. Leur plus grande réussite est sans doute d’avoir transformé leur obsession personnelle en mouvement musical, donnant envie à plusieurs générations de repartir à la recherche de ces trésors cachés du rock garage.
Ultime Possibilité
Originaire de Bourges, Ultime Possibilité (UP pour les intimes) apparaît vers 1986 dans une ville où l'effervescence musicale est entretenue par le Printemps de Bourges, les radios libres et un tissu associatif particulièrement dynamique. Si leur nom est aujourd'hui presque tombé dans l'oubli, Ultime Possibilité s'inscrit pleinement dans cette génération de groupes qui, loin de Paris, participent à l'essor d'une scène indépendante inventive et ambitieuse. À l'écoute de leurs enregistrements, on perçoit immédiatement les influences de la new wave européenne : des synthétiseurs omniprésents, des boîtes à rythmes, des guitares cristallines et une voix portée par une mélancolie qui évoque aussi bien Little Nemo que Mary Goes Round, Guerre Froide ou Collection d'Arnell-Andréa.
Avant de publier leur unique 45 tours, le groupe enregistre une cassette démo de six titres aujourd'hui quasiment introuvable. On y retrouve Would You Smile, Sea Of Faces, No More Lies, La Chambre Vide, Guardian Angel et Pensées Nocturnes. Ce premier enregistrement montre déjà une particularité du groupe : alterner chansons en anglais et en français, une pratique assez répandue dans la scène cold française de l'époque, où les influences britanniques côtoient une identité profondément hexagonale.
Ultime Possibilité ne tarde pas à sortir du simple cadre local. En 1987, deux morceaux, Coute Que Coute et What Was Your Mission, figurent sur la compilation The Unknown 4, qui rassemble plusieurs formations prometteuses de la scène indépendante. L'année suivante, Coute Que Coute réapparaît sur Orcades Machinales Vol. 1, une compilation devenue culte chez les amateurs de cold wave française, aux côtés de groupes tels que X Ray Pop, Collection d'Arnell-Andréa, In Aeternam Vale, Pavillon 7B ou encore Fureur Parallèle. Cette présence témoigne de la reconnaissance dont bénéficie alors le groupe dans les réseaux spécialisés, même si cette notoriété restera confidentielle.
C'est également en 1988 qu'Ultime Possibilité publie son seul véritable disque, le 45 tours Errance, accompagné de No More Lies en face B. Édité sous la référence MSR 54052 par Milk Shake Records, petit label indépendant particulièrement actif dans les marges de la scène française, le disque est aujourd'hui recherché par les collectionneurs. Milk Shake Records a notamment publié des groupes comme Corps Diplomatique, Villa Medicis, Amour Puzzle, Exophen ou Zéro Comics, constituant au fil des années un catalogue devenu une véritable photographie de cette scène alternative de la fin des années 1980.
Les archives disponibles révèlent également une apparition du groupe dans l'émission télévisée ZAP, où il interprète Coute Que Coute en playback. Cette prestation constitue vraisemblablement la seule archive vidéo connue d'Ultime Possibilité, renforçant encore le caractère presque mythique du groupe auprès des passionnés.
Malheureusement, c'est aussi à ce moment que la trace d'Ultime Possibilité s'interrompt. Aucun album ne verra le jour et tout laisse penser que le groupe se sépare peu après la sortie d'Errance. Comme tant d'autres formations indépendantes de cette époque, il disparaît avant d'avoir pu développer une discographie plus conséquente, victime sans doute des faibles moyens de production et de diffusion qui caractérisaient alors le rock indépendant français.
Les recherches menées pour cet article montrent combien il est difficile de reconstituer l'histoire complète d'un groupe comme Ultime Possibilité. Les noms des musiciens demeurent, à ce jour, introuvables. Ni les bases de données musicales, ni les archives accessibles des fanzines spécialisés, ni les catalogues en ligne ne permettent de les identifier avec certitude. Les pistes les plus prometteuses passent désormais par les archives non numérisées de la presse régionale, les collections de la Fanzinothèque de Poitiers, les dépôts de la SACEM ou encore les documents conservés par les anciens responsables de Milk Shake Records. Il n'est pas impossible que les réponses s'y trouvent encore, attendant simplement d'être redécouvertes.
C'est peut-être aussi ce qui fait tout le charme d'Ultime Possibilité. Plus de trente-cinq ans après la sortie d'Errance, le groupe demeure une énigme, un nom qui surgit au détour d'une compilation culte ou d'un vieux 45 tours chiné chez un disquaire. Une de ces formations qui rappellent que l'histoire du rock français ne s'écrit pas seulement avec les groupes devenus célèbres, mais aussi avec tous ceux qui, le temps de quelques chansons, ont laissé une empreinte discrète mais durable dans la mémoire des amateurs de musique indépendante.
C'est la Panik LTDC
Voici une petite interview des Panik (à l'époque, ils avaient à peine deux ans d'existence et venaient de sortir leur fameux mini-album devenu culte). Cette interview a sans doute été réalisée au parking 2000 et c'est toujours sympa d'entendre les noms des membres "historiques" du groupe... Cette interview est extraite du fanzine "Le Démoniaque" (janvier 1984).
El Latido
2e extrait du mini-album de Metro, voici "El Latido" et sa batterie typiquement années 80. Depuis, elle a été interdite par la police des musiciens !
Lucrate Milk
Luсrate Milk émеrge à Paris à la fin dеs annéеs 70 соmme unе véritаblе сuriоsité dans lе paysage musiсаl français. À сеttе épоquе, la nоtiоn dе "rосk alternatif" tеl qu'elle sera cоnnue dаns lеs annéеs 80 n'eхistе pas encоre, et la scène musicalе еst lоin d'êtrе bien оrganisée. Tоut y est briсоlé, précairе et sоuvеnt imprоvisé, et c'est justеment cette dynamiquе qui cоnfère аu grоupе sа fоrce. À l'оriginе, il ne s'agit mêmе pаs d'un grоupе au sеns traditiоnnel, mais plutôt d'un rаssеmblement d'énеrgies créatives, d'amis, de graphistes еt de musiciens auх parcоurs variés, qui parviennent à invеntеr leur prоprе lаngagе sans сherchеr à оbtenir l'аpprоbatiоn de quicоnquе.
Luсrate Milk émеrge à Paris à la fin dеs annéеs 70 соmme unе véritаblе сuriоsité dans lе paysage musiсаl français. À сеttе épоquе, la nоtiоn dе "rосk alternatif" tеl qu'elle sera cоnnue dаns lеs annéеs 80 n'eхistе pas encоre, et la scène musicalе еst lоin d'êtrе bien оrganisée. Tоut y est briсоlé, précairе et sоuvеnt imprоvisé, et c'est justеment cette dynamiquе qui cоnfère аu grоupе sа fоrce. À l'оriginе, il ne s'agit mêmе pаs d'un grоupе au sеns traditiоnnel, mais plutôt d'un rаssеmblement d'énеrgies créatives, d'amis, de graphistes еt de musiciens auх parcоurs variés, qui parviennent à invеntеr leur prоprе lаngagе sans сherchеr à оbtenir l'аpprоbatiоn de quicоnquе.
Metro
Quand on évoque la scène espagnole du début des années 80, on pense souvent immédiatement à Madrid, à la Movida et à ses figures les plus médiatisées. Pourtant, cette période d’explosion créative ne se limite pas à la capitale. Dans de nombreuses régions d’Espagne apparaissent alors des groupes qui profitent d’un climat nouveau pour expérimenter, mélanger les influences et inventer une musique en rupture avec les décennies précédentes. La Galice, notamment autour de Vigo et La Coruña, devient l’un de ces foyers où une nouvelle génération de musiciens tente de trouver sa propre voix. C’est dans ce contexte que surgit Metro, un groupe discret mais représentatif de cette effervescence.
Originaire de Carballo, près de La Coruña, Metro se forme au début des années 80 et s’inscrit dans cette vague de formations qui regardent autant vers la pop anglaise que vers les nouveaux courants qui traversent l’Europe. Comme beaucoup de groupes de cette période, leur musique se situe à la croisée de plusieurs influences : une base rock héritée des années précédentes, des arrangements plus modernes inspirés par la new wave, et une volonté de construire des chansons plus atmosphériques et mélodiques.
Le groupe se fait remarquer en 1982 en remportant le premier concours Rock Ciudad de La Coruña. Cette victoire leur ouvre les portes du studio et leur permet d’enregistrer un premier album éponyme, Metro, publié chez Citola. Ce premier disque pose les bases de leur univers et leur permet de s’installer dans le paysage musical régional, à une époque où les scènes locales jouent encore un rôle essentiel dans l’émergence des nouveaux groupes espagnols.
Deux ans plus tard sort No es Extraña?, un mini-LP publié par le label Acuario. Ce disque constitue probablement le témoignage le plus abouti du groupe. On y retrouve une formation qui a affiné son écriture et qui assume davantage son goût pour les textures, les claviers et les ambiances propres aux productions du début des années 80. Le morceau titre, No es Extraña?, donne son identité au disque, avec une approche pop sombre et élégante, tandis que des titres comme El latido ou El último tren montrent un groupe capable de jouer sur les contrastes entre mélodies accrocheuses et atmosphères plus introspectives.
À cette période, Metro réunit notamment José Manuel Tasende (chant, guitare, claviers), Pedro L. Sosa (basse, claviers) et José Antonio Levices. Leur parcours reste cependant celui de nombreux groupes de cette époque : une poignée de disques, quelques concerts, une présence dans la scène locale, puis une disparition progressive. Après No es Extraña?, Metro cesse ses activités et certains membres poursuivent leur aventure musicale dans d’autres projets, notamment Los Dramáticos.
Ce qui rend aujourd’hui ce disque intéressant, c’est justement son côté oublié. Metro n’a pas bénéficié de la reconnaissance accordée à certains groupes emblématiques de la Movida, mais No es Extraña? appartient à cette multitude de productions qui racontent une autre histoire de la musique espagnole des années 80. Une histoire faite de petits labels, de groupes régionaux, de disques tirés à peu d’exemplaires et d’une énergie créative qui circulait bien au-delà des grandes villes.
Comme beaucoup de ces objets venus des marges, ce mini-LP possède le charme d’un instant précis : celui d’une Espagne en transformation, où une nouvelle génération cherchait de nouveaux sons et de nouvelles façons de s’exprimer. Metro est peut-être resté dans l’ombre, mais No es Extraña? reste une belle capsule de cette époque où la curiosité et l’envie d’expérimenter semblaient guider toute une scène.
Enculé Tête De Mort
Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique single de Nana Bonnard sorti en 1983 !
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Les Fêlés
Les Fêlés font partie de ces groupes dont l’existence tient presque autant du disque que du souvenir fragmentaire qu’en laissent les archives du rock français de la fin des années 70. On tombe sur leur nom au détour d’une discographie de collectionneur, souvent réduit à une seule trace tangible : un 45 tours paru en 1978, intitulé « Mon lycée », édité dans une période où la scène française commence à être traversée par les premiers soubresauts punk et par une énergie amateur qui échappe encore aux circuits installés.
What's the use
Nouvel extrait du long des David Vincent, voici "What's The Use" en mode ballade rock. Bon, je ne suis pas très fan des français qui chantent en anglais !
Le single de Mopo Mogo
Ici, on pourra télécharger en Mp3 l'unique single de Mopo Mogo sorti en 1983 !
Frakture
À la fin des années 70, Rennes devient l’un des foyers les plus passionnants de la nouvelle scène française. Entre punk, rock sombre et expérimentations post-punk, une poignée de groupes va transformer durablement le paysage musical local. Parmi eux, Frakture occupe une place particulière : un groupe à la trajectoire mouvementée, souvent éclipsé par la renommée de Marquis de Sade ou de Marc Seberg, mais qui témoigne parfaitement de cette période où tout semblait encore possible.
L’histoire commence en 1977 sous le nom de Fracture. Le groupe apparaît dans le même environnement que les premiers Marquis de Sade, avec notamment Christian Dargelos et Jacques Duval qui gravitent autour des deux formations. Les premières semaines sont instables, comme beaucoup de groupes de cette époque : les musiciens arrivent, repartent, changent d’instrument ou poursuivent d’autres aventures. Christian Dargelos quitte rapidement le navire pour se consacrer à Marquis de Sade, tandis que le groupe cherche encore sa direction.
La première période voit passer plusieurs musiciens, dont Sergeï Papail, Pascal Perrée, Jacques Duval et Philippe Rérolle. Les concerts s’enchaînent dans les lieux qui font alors vivre la scène rennaise : La Paillette, Le Rallye, l’Institut Franco-Américain ou encore les salles associatives qui accueillent cette nouvelle génération de groupes. Fracture avance dans l’urgence, avec cette énergie typique des formations de la fin des années 70 : peu de moyens, beaucoup d’idées et une volonté de sortir des sentiers battus.
En 1979, le groupe renaît sous le nom de Frakture. Autour de Sergeï Papail (basse, chant), Pascal Perrée (guitare), Philippe Rérolle (batterie) et Jacques Duval (guitare), la musique évolue. Le punk des débuts laisse place à quelque chose de plus froid, plus tendu, plus proche des sonorités post-punk qui commencent alors à circuler en Europe. Frakture développe une esthétique sombre, avec des textes parfois en allemand et une ambiance qui tranche avec le rock plus direct de la première vague.
Le groupe participe aux premières années des Rencontres Trans Musicales de Rennes et devient un acteur de cette scène locale en pleine construction. Pourtant, malgré une réelle personnalité et des concerts remarqués, Frakture restera longtemps un groupe discret, coincé entre plusieurs histoires plus médiatisées.
En 1980 sort enfin leur unique 45 tours de l’époque : « Sans Visage » / « Nagasakind ». Le disque est enregistré au Studio DB à Melesse, un lieu important pour la scène rennaise. Sur la face A, « Sans Visage » résume bien le nouveau son du groupe : une tension froide, une guitare tranchante et cette atmosphère étrange qui annonce la vague cold wave française. « Nagasakind », sur la face B, poursuit dans la même direction. Le disque deviendra avec le temps une pièce recherchée par les amateurs de rock français indépendant, tant il représente un moment précis de cette transition entre punk et new wave.
Frakture continue ensuite à évoluer avec plusieurs formations. En 1981, le groupe poursuit ses recherches et enregistre de nouveaux titres, avant de disparaître progressivement en 1983. Les musiciens ne quittent pourtant pas la musique : Sergeï Papail et Pascal Perrée rejoindront notamment Marc Seberg, autre grand nom issu de cette scène rennaise.
Après la séparation du groupe, Frakture ne disparaît pourtant pas complètement. Comme beaucoup de formations de cette époque, le groupe va connaître une seconde vie grâce au regain d’intérêt pour cette scène rennaise. Les archives ressortent, les anciens enregistrements sont réédités et un premier album regroupant les morceaux enregistrés pendant l’existence du groupe voit le jour en 2004.
En 2007, Frakture se reforme et reprend le fil d’une histoire commencée trente ans plus tôt. Cette résurrection confirme l’importance du groupe dans la mémoire de la scène rennaise : loin d’être seulement un témoin oublié du punk français, Frakture reste une formation qui a accompagné une mutation essentielle du rock hexagonal, entre urgence punk, froideur new wave et expérimentations post-punk.
Le 45 tours « Sans Visage » reste le symbole de cette période : un disque rare, marqué par son époque mais encore capable de surprendre aujourd’hui. Frakture fait partie de ces groupes qui n’ont jamais vraiment disparu : ils ont simplement traversé les années, comme une fissure toujours visible dans l’histoire du rock rennais.
L'autre face du 1er single des Lyres
Voici "Don't Give It Up Now", l'autre face du 1er single des Lyres sorti en 1979 !
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